«Сегодня нужно бороться не за зрителя, сегодня нужно бороться за театр». Часть 1

XVII Международный театральный фестиваль тюркских народов «Науруз» в Казани, который в этом году прошел масштабно – с 9 по 23 июня, собрал у себя более 15 театральных коллективов из Казахстана, Кыргызстана, Узбекистана и национальных республик России: Адыгея, Алтай, Крым, Башкортостан, Татарстан, Хакасия, Чечня, Чувашия, Якутия.

В рамках фестиваля состоялась специальная программа XI Международной театральной Олимпиады, в которую вошли театры из Башкортостана, Бразилии, Греции, Марий-Эл, Турции, Татарстана и ЮАР.

Спектакли фестиваля представлены на 8 площадках города, но основная программа проходит в новом, роскошном здании Татарского государственного академического театра имени Галиасгара Камала, которое расположено на берегу озера Кабан – теперь старое и новое здания смотрят друг на друга, как бы связывая времена и традиции.

С самолета я сразу же попала на спектакль Национального драматического театра имени П. В. Кучияк (г. Горно-Алтайск, Республика Алтай) «Арина» по роману классика алтайской литературы Лазаря Кокышева. Поставил спектакль известный российский актер театра и кино, театральный режиссер, заслуженный артист Республики Алтай и Тыва Амаду Мамадаков. Спектакль неровный, композиционно не до конца выстроенный, но крайне важный для понимания алтайской культуры, её самобытности и одновременно слитности с мировой историей. «Арина» – это первый алтайский роман, написанный в 1959 году, о судьбе женщины, через которую проходит история нашей страны.

Судьба самого автора, Лазаря Кокышева, достаточно драматична. Он родился в семье учителя; его отец, Василий Константинович, был грамотным человеком, что в то время было редкостью. Сын с раннего детства работал пастухом, пас овец и лошадей, но получил хорошее начальное образование: уже в седьмом классе переводил М. Горького. Отец ушёл на фронт и не вернулся, а мать воспитала и вырастила пятерых детей. Собственно, роман посвящен матери, которую звали Ариной Саналовной, – простой алтайской женщине, доярке, оказавшейся в гуще исторических катаклизмов и не сломившейся под тяжестью бремени. Лазарь Кокышев закончил Литературный институт имени А. М. Горького, учился в одно время с Евгением Евтушенко, Беллой Ахмадулиной, Робертом Рождественским. После окончания Литинститута возвращается на родину со стихами, переводами, литературными обозрениями, а уже в 26 лет пишет свой знаменитый роман «Арина». Погиб писатель очень рано: он был убит хулиганами-студентами, что вызвало в обществе бурю негодования.

Спектакль «Арина» начинается с весёлой сцены деревенского праздника. Сценография заслуженного художника Республики Алтай Алексея Дмитриева лаконичная, просторная и светлая: сцена обрамлена белой стеной, отделанной досками, на которой местами висят принадлежности деревенского быта – вилы, косы, верёвки. Группа молодых людей в белой стилизованной одежде выкатывается на сцену со смехом и песнями. Перед нами картина из жизни алтайского народа дореволюционного периода. Но постепенно в это белое монохромное пространство идиллии и некой первобытной нетронутости начинают проникать другие цвета: черный и алый – цвета смерти и крови. А деревянные фигурки оленей и птиц, нависающие сверху как образы древней алтайской культуры, покрываются кричащими революционными плакатами.

Спектакль, поставленный в эстетике эпического театра (правда, актеры не всегда выдерживают этот принцип), с многообразием жанровых сцен, с очень яркой и колоритной актерской игрой, обращаясь к классике, поднимает вечные вопросы – это тема человека, родившегося в эпоху перемен. И, безусловно, алтайский театр, как и прежде сохраняя национальные традиции, ищет пути к сегодняшнему зрителю.

Через традиции прокладывает путь к современным театральным формам и Хакасский национальный драматический театр имени А. М. Топанова (г. Абакан, Республика Хакасия) в спектакле «Той. Дым» Т. Майнагашевой по мотивам одноименного рассказа Митхаса Турана. Главный режиссер театра, Тимур Казнов, предпринял попытку исследования традиций, ритуалов, обрядов хакасского народа через призму сегодняшнего дня. «Той. Дым» является первой частью масштабного триптиха «Хакасия», где показаны основные ритуалы (рождение, женитьба/замужество, переход в мир предков) с их глубинными мировоззренческими смыслами. Спектакль играют без слов: значения обрядов прописываются на экранах, установленных с двух сторон сцены. Художник-постановщик – Екатерина Ряховская – выстраивает на сцене минималистическое пространство с огромной металлической стеной/горой справа. Стая ворон или сорок в исполнении группы актеров, одетых в современные классические черные костюмы и белые рубашки с галстуками и птичьими масками на лицах, периодически лопатами и ломами имитирует подземные работы, ведущиеся у горы, – аллегория современной проблемы исчезновения природных памятников. Звуки взрывов, падающий сверху уголь – говорят об экологической катастрофе.

В обрядовую картину мира вплетена история любви юных Айлин (Алина Гетманова) и Андраса (Митхас Абдин), чьи судьбы были погублены суровыми законами предков. Айлин ещё в младенчестве родителями была обручена с другим мальчиком, но вот девочка выросла и полюбила Андраса, что в роду вызывает негодование, а затем – преследование и смерть героев. С одной стороны, театр бережно показывает традиции своего народа, с другой – абсурдность старых законов, что рождает некоторое противоречивое впечатление. Но всё же постановка «Той. Дым» с его современным решением сценического пространства, оригинальной авторской световой партитурой (художник по свету – Андрей Зозуля) является примером исследования традиций с применением современных технологий сцены. Невозможно забыть колдовскую сцену появления семи девушек-духов в синих лучах, направленных с пола и освещающих женские фигуры снизу так, что они действительно кажутся призраками. Или пластическую сцену любви Айлин и Андраса у железного дерева, освещенного красным светом, под падающие хлопья снега, с огромным шаром луны – вечной свидетельницы всех влюбленных. Одним словом, хакасский театр, как и большинство национальных театров, представленных на фестивале, постепенно осваивает самые современные возможности сцены, но пока не хватает крепкой драматургической основы. Это одна из проблем, которая звучала на обсуждениях спектаклей.

В «Играем в Олонхо» Театра кукол Республики Саха (г. Нерюнгри, Республика Саха (Якутия) также идёт поиск своей идентичности в современном мире. Этот спектакль очаровал зрителей и критиков детской непосредственностью, живой энергией и профессионализмом. Пьесу написала Евдакия Гаулика, которая сама же исполняет здесь одну из главных ролей. Поставил спектакль заслуженный работник культуры РС Александр Иванов, художник-постановщик – Афанасий Аргунов. Этот спектакль подтверждает знаменитую формулу: «Вышли два артиста на сцену, постелили коврик – вот тебе и театр». Действительно, на сцене, кроме небольшого дощатого забора, накинутой на него ткани и трёх прожекторов, больше ничего и нет. Только выйдут трое актеров – Антон Алексеев, Евдакия Гаулика и Полина Сокорутова, одетые в современные костюмы с национальными орнаментами, на ногах – кроссовки. Они выйдут в образе сегодняшних детей, поедая вкусные оладушки и размышляя о том, что круглые национальные лакомства в древности якуты брали в дальнюю дорогу, чтобы угощать духов. Дети решают поиграть в Олонхо.

«Алиса, а что такое Олонхо?» – спрашивает простодушный мальчик, и Алиса знакомым всем нам голосом даёт подробную характеристику из Википедии. Определение «эпическое народное искусство якутов» детям ничего не даёт, ведь эпос не постигнуть без полного погружения и вчувствования. Тогда, подражая взрослым, они сами начинают пробовать исполнять сказание о богатырше, защитившей срединный мир от трехглавого чудовища. Сначала не получается: не так-то просто взять и сыграть олонхо. Актриса в темноте начинает петь, но её прерывает телефонный звонок: современный мир так и врывается в канву спектакля. Вот появляется кукла воинственной богатырши и её верный друг и помощник – белый пёс. Актеры-кукловоды прекрасно работают с куклами, создавая ощущение правдивости и достоверности. У кукол есть свой характер и лицо. Особенно всем понравился белый пёс: настолько он получился живой, что хотелось его погладить. Постепенно исполнители вживаются в свои образы, и действие захватывает непередаваемой мощью и энергетикой. «Олонхо должно быть зрелищно!» – восклицает исполнитель роли мальчика, и действие развивается под современную эпичную музыку, как в самых известных фильмах-блокбастерах, которая придаёт спектаклю дополнительную эмоциональную глубину и краску. Музыкальное оформление – Андрей Никулин. Первое, что располагает и вызывает доверие к происходящему, – это тонкая, едва уловимая добрая ирония, с которой якутские актеры относятся к традициям исполнения эпоса. Здесь нет напыщенного пафоса, но есть любовь к многовековым ритуалам и ценностям. Снова возвращаюсь к вопросу: «Как сегодня ставить эпос, чтобы было нескучно?». Спектакль «Играем в Олонхо» дал прекрасный пример того, как сделать эпос современным, интересным и одновременно глубоким не только для детей, но и для взрослых. В финале актеры, игравшие детей, разбегутся по домам есть оладушки, которые так похожи на круглое солнце и луну, оставив на сцене разбросанные игрушки.

Четвертый день фестиваля полностью прошёл в новом роскошном здании театра Камала. С утра в Камерном зале был показ короткометражных фильмов Салавата Юзеева, днём в Универсальном зале (классический блэк-бокс) – спектакль «Гамлет» Уильяма Шекспира в постановке Джанни Янг Театра кукол «Janni Younge Productions», приехавшего из ЮАР (г. Кейптаун), который был показан в рамках программы олимпиады.

Окончание следует…